Era hora de dedicarle un post a este grupo, con el que Melodía Viajera está en tratativas para que nos contraten como fan's profesionales. Fuera de broma, está rebueno lo que hacen, que es muy variado, no se limitan al folklore o la canción, le entran a otros ritmos, como reggae, candombe, cumbia... lo que se dice amplitud musical. También hay que prestarle atención a las letras, hay varias muy interesantes (por ejemplo, las de "Al Comechingón" "Dulzura" y "Milonga del Algarrobo"). Pero bueno, lo tienen que escuchar, subo algunos temas para que los conozcan, son del cd que sacaron hace unos pocos años, ahora están por sacar otro (creo), y se van a presentar el 14 de mayo en Córdoba, para el que quiera estar ahí... Entonces, ¡escuchen y dejen comentarios ACÁ!!
Una brevísima reseña que encontré: Los Nietos de Don Gauna (Mauro Libaak, José Luis Aguirre y Ariel Torres) son oriundos del Valle de Traslasierra, Córdoba. En sus raíces musicales se reconoce la influencia simultánea de lo cuyano y lo cordobés, de lo tradicional y lo moderno. En sus composiciones se plasman la cueca, la tonada, el gato cuyano y la chacarera, conviviendo con los demás ritmos de Latinoamérica: desde el candombe a la milonga, y del reggae a la bossanova.
Gustavo Patiño es un músico emblemático de la Quebrada, nacido en la provincia de Buenos Aires pero criado en Tilcara, donde aprendió música como todos. Es decir, es un autodidacta. Compositor, cantante y multiinstrumentista –toca alrededor de 20 instrumentos–, Gustavo Patiño tiene una trayectoria musical de varias décadas, y explica que hace “música relacionada con el mundo andino”. En su música conviven los ritmos ancestrales que suenan en las fiestas devocionales y otras influencias, pero en sus temas siempre está presente el paisaje interior del hombre quebradeño y la puna. Lleva editados ocho discos, sus temas fueron grabados por artistas como Mercedes Sosa y el Dúo Coplanacu, y participó del álbum “Servicio de Lavandería” de la cantante colombiana Shakira. En este momento se presenta acompañado con sintetizadores y percusión electrónica. Y toca la guitarra, la anata, el charango, la quena, el erke, el erquencho, antiguos silbatos, moxeños, el pinkullo, la ocarina y varias clases de sikus, guitarra acústica e incluso eléctrica cuando considera que se justifica, además de cantar. Y los ritmos con los que experimenta son tan variados como carnavalitos, huaynos, zambas, taquiraris, cuecas, sayas bolivianas, tonadas, tinkus, joropos, guajiras y hasta cumbias colombianas, siempre con composiciones propias. (Fuentes: Página 12 y Argentina Folclore)
Discografía: Gustavo Patiño Pueblo Hermano Desde Tilcara Soy Como la Tierra Kollasuyu Coplitas Tilcareñas Al Otro Lado del Mar Herederos del Viento
Este post es por dos razones: primero, porque lo que hace este grupo de mujeres santiagueñas, que se llama Mullieris, está muy bueno; segundo, porque algunos muchachos del grupo consideran que tenemos una preferencia muy marcada por cantores - masculinos -, así que acá estamos, dando un lugarcito también a algunas voces femeninas.
Mullieris nace en Santiago del Estero el 17 de abril de 2006 con el objeto de recrear Música Popular de diversos lugares del mundo, buscando un particular sonido en la combinación de voces e instrumentos y el juego en la creación de los arreglos vocales.
Nace como iniciativa de Carolina Haick, que encontró en su amiga Marta Nazar el empuje para llevarla a cabo. Asi fue que Marta convocó a las otras dos integrantes: Eileen Allub y María Eugenia Páez. De este modo el grupo comienza a transitar los escenarios de la provincia, ahora extendiéndose a otros lugares del país.
Algunos de sus referentes son compositores como: Lila Downs, Leo Dan, Tom Jobim, Vinicius de Moraes, entre otros. Los géneros que abordan son: Cumbia Colombiana, Bolero, Bossa Nova, Samba, Merengue, Folclore argentino. También están dentro de su repertorio, composiciones propias.
Todas ellas ejecutan un instrumento armónico como la guitarra; o melódico como la flauta traversa y violín, además de instrumentos y accesorios de percusión como congas, bombo, bongó, cajón peruano, güiro, shaker egg, caxixi, etc...
Cambiando un poco el ángulo de la información, nos vamos pa' Chile, huevón... subo musiquita del otro lado de la cordillera, de un grupo que se llama La Mano Ajena, muuuuy influenciado por Kusturica y Bregovic, y todos esos ritmos de los Balcanes for export...
La Mano Ajena es uqueña gran orquesta que fusiona ritmos de Europa del Este y también de Rusia, Francia, Venezuela y otros países del orbe; mezclando todo en un perfecto pastiche que reúne, además, las tendencias de cada uno de los seis integrantes de la banda, como el gusto por el Rock, el Punk, el Teatro o el Folclore Latinoamericano. Para ellos este proyecto es un hito musical en Chile, que convierte una música particular de judíos y gitanos en un espacio de pertenencia chileno: El Klezmer a la Chilena.
El Klezmer es música orquestada que nace desde el pueblo judío como canto litúrgico, al que se le incorporaron elementos de la música francesa y alemana durante la Edad Media. La itinerancia de sus músicos permitió que más influencias fueran modelando su repertorio, incorporando expresiones propias de los pueblos donde se establecían, como elementos de la música turca, gitana y balcánica. Junto a los inmigrantes judíos, esta música llegó también a América, nutriéndose aún más su propuesta.
En su mayoría, La Mano Ajena está compuesta por personajes vinculados al teatro. Ellos han participado, como músicos o actores, en diversos espacios como son El Teatro Del Silencio, La Patogallina, Los Mendicantes, o en obras como "Las Siete Vidas Del Tony Caluga". Estas tendencias marcan a fuego la propuesta del grupo, que en su música de fanfarria suele crear espacios lúdicos ligados profundamente a dos de sus grandes inspiraciones: Emir Kusturica, célebre director de cine y músico Bosnio, y Goran Bregovic, oriundo de Croacia.
No hay mucha información sobre este grupo en la web, pero lo más interesante, que es la música que hacen, sí está. Sacaron dos trabajos, "Los Hijos del Monte", cuando el grupo estaba formado por Pucho Ruiz y Cristian "Pilly" Herrera (hoy guitarrista de Néstor Garnica), y "Sacha Huaa" con la nueva formación. Subo algunas de sus canciones y una mínima reseña que encontré por ahí.
Pucho Ruiz y Los Hijos del Monte: Bautizados con el nuevo nombre, (antes “La Huella” junto a Cristian Herrera). El grupo sigue manteniendo firme la propuesta con la que inició su carrera musical, basada en la búsqueda de las raíces de nuestra tierra y reflejando la realidad por la que atraviesan. Su propuesta musical esta basada en fusionar danzas latinoamericanas con ritmos de lando, festejo peruano, bosa, afro y flamenco.
Melodía Viajera me mandó unos temas de folklore creados y/o interpretados por grupos de rock, así que armamos un post. Le sumé algunos temas más de grupos que hacen fusión de folk y rock, y los sites de otros, por si les interesa. Y también El Activista había subido bastante en el blog de La Peña de Raúl Eduardo, se pueden dar una vuelta por ahí.
Este grupo santiagueño es uno de los más representativos de la música popular joven de la provincia. Con una trayectoria forjada desde hace varios años, editaron dos trabajos discográficos: “Salamancas fiesteras”, presentado en los principales escenarios de Santiago del Estero, y recientemente "Luz Peregrina". Además, realizaron múltiples espectáculos en conjunto con el destacado bailarín Juan saavedra y el grupo Orígenes, entre otros.
La Brasa está conformada por: Enrique Marquetti(guitarra y voz), Julián Migueles (guitarra y Violín), Osvaldo Roca (aerófonos), Jorge Ledesma (bajo) y Martín Alcorta (batería).
Hace bastante que quería armar un post sobre Horacio Banegas, uno de los mejores músicos del folclore santiagueño (y nacional). A decir verdad, y a riesgo de que suene a herejía para los cultores de nuestro San Chango, don Horacio merece ser - por lo menos - igualmente venerado que el Raly, simplemente porque es... muy CAPO. Aunque él no se cree un poeta, porque considera que los músicos populares todavía no han podido acceder al espacio propio de la poesía, es difícil encontrar a un letrista con ese uso que hace de la palabra, tan profundo y sentido. Y más difícil es encontrar, en toda su discografía, un tema que no sea una maravilla. Ok, es uno de mis (dos) preferidos, no puedo ser objetiva, pero agarren cualquiera de sus trabajos y escuchen del primer al último tema, a ver que les parece. (y después, a ver quien se prende para la peregrinación al barrio Ejército Argentino de Santiago del Estero...).
Nacido en la provincia de Santiago del Estero, en la ciudad capital, en el año 1954. Actualmente reside entre Buenos Aires y Santiago del Estero. En el inicio de su carrera profesional, en el año 1965, forma junto a su hermano Coco, el conjunto “Los Banegas”. Luego se incorpora a los Tobas, grupo tradicional (con el cual graba cuatro Long Play). Participa como músico de los artistas Alfredo Ábalos, Sixto Palavecino, con el cual graba dos L.P. Es autor, compositor e interprete de la obra “La Misa Santiagueña”. En el año 1990 realiza el ciclo musical “Mensaje de Chacarera”, junto a Jacinto Piedra y Juan Saavedra ; luego participa como músico, interprete en el trabajo discográfico “Los Santiagueños sean unido”. Presenta el ciclo musical “Hermandad con la Tierra”, junto a músicos santiagueños. Es director y creador del ciclo musical “Mi origen y mi lugar”. Participan en el mismo , Elpidio Herrera y “Las Sachas Guitarras”, Juan Saavedra, entre otros artistas. Realiza una gira artística por Europa, visitando Bélgica y España. En el año 2001 realiza el ciclo cultural “El arte de las inmediaciones”(arte y pensamiento), que se desarrolla en la Universidad Nacional de Santiago del Estero.
La música nativa como espacio de cruce y mestizaje
Horacio Banegas busca un salto cualitativo en el que se integren las raíces de la chacarera y un lenguaje actual
La música nativa, en tanto portadora de tradiciones, que conserva y reverdece, con sus formas y estilos heterogéneos, puede ser un espacio original desde el cual descubrir que las diferencias hacen a la riqueza cultural de un país y que desde ellas es posible construir una vecindad más amplia. Algo así transmite Horacio Banegas en su último trabajo: "La inmediación es el otro, el cercano, la certificación de la diferencia, necesaria diferencia para ser en la pluralidad, sentido de continuidad y de contigüidad". El músico santiagueño explica su actual producción como "espacio de cruce, de mestizaje... Un arte de inmediaciones es con los otros; como una trama va de mano en mano, atando unos a otros en su derivante andar".
Comenzó su carrera en los años sesenta y lleva siete discos editados, de los cuales El color de la chacarera e Inmediaciones integran una serie en la que indaga en las raíces de ese ritmo típico de su provincia e inicia una etapa de experimentación que lo sitúa como protagonista de la vanguardia del folklore. En este sentido, como él mismo dice, Santiago del Estero es "un pueblo antiguo y nuevo en la canción". Su punto de partida fue la interpretación del repertorio de todas las regiones, mientras recorría el país con su hermano Coco.
Situarse en el presente
Banegas es reconocido por su defensa de la música tradicional y a la vez por la búsqueda de un salto cualitativo desde las diversas maneras de interpretar la chacarera, características de sucesivas generaciones de músicos. Empezó por un rescate de las formas puras. Después intentó integrar y recrear valiéndose incluso de las herramientas tecnológicas de la música contemporánea y de la convivencia de guitarra eléctrica, bandoneón, violín, batería, teclados y cajas. Por otra parte encara una constante reflexión sobre su trabajo como compositor, en el que reconoce la necesidad de marcar su época y su entorno, tal como lo expresaron, a su tiempo, Andrés Chazarreta y Julio Jerez.
Inmediaciones revela en su conjunto que para Banegas la búsqueda creativa consiste en retomar elementos del pasado y buscar un lenguaje actual. El se refiere a la música como urdimbre en la que se resignifica la memoria y en la que hace pie la "urgencia" de la expresión, dada la crítica situación social de su provincia, que requiere denuncia e intervención. ("Hiere el grito/ desde la mirada inocente,/ la tristeza ladra.../ en la inmensidad,/ es la humanidad/ canción que desangra el dolor.")
"Hay diversidad de expresiones en la chacarera. Cada autor visualiza a su manera. En mis chacareras hablo de Santiago, del abandono en el que se ha dejado al pueblo, de su sufrimiento, trato de reflejar incluso esa mirada de resignación que tiene el santiagueño. Los clásicos le han cantado mucho al paisaje; yo trato de enfocar en el hombre como elemento sustancial del paisaje", dice.
En la poesía de Horacio Banegas asoma una claridad en la que se amalgaman el ritmo propio de la chacarera y una aguda observación de lo que dice el poblador rural desde su economía de palabras y desde un silencio que tiene mucho de la profundidad rústica del monte. Incluso cuando interpreta temas de otros compositores Banegas lleva en la voz el registro sensible de la patria de su infancia y las imágenes ganan con él una vivacidad que nos interpela al referirse a la pobreza y la exclusión instaladas en Santiago del Estero o nos enciende con la alegría "de los patios guitarreados de la noche a la alborada".
Su música deja ver a un hombre que indaga en el misterio de su propia intimidad, anclada en aquella tierra en la que desde chico conoció lo arduo de la sobrevivencia y la riqueza poética de las expresiones populares, mixtura de español y quichua. ("Soy el presente./ Soy la memoria./ Soy el ayer; /El que vuelve a renacer.../ en el hoy.")
El ejercicio de la poesía parece ser, en su caso, una manera de construirse como hombre de consejo sencillo, metafórico, de pocas pero justas palabras. "Yo quisiera llegar a ser ese anciano que no habla mucho y que escucha. La imagen perfecta es para mí la de esa gente sabia, que sólo dice dos o tres cosas, que sintetiza el consejo", confía Banegas. Este deseo tal vez pueda interpretarse como una manera de corresponder a su gente y de mantener arraigo desde la precisión de la palabra y la búsqueda de sentencias. En sus cuerdas vibra ese diálogo consigo mismo ("La chacarera le enciende su luz"). Reconoce el autor que sus referentes naturales son don Sixto Palavecino, aquel niño que escondía su primer violín, de factura propia, en el hueco de un quebracho para conectarse con la música a escondidas de sus padres mientras llevaba los animales al monte, y Elpidio Herrera, creador de la sachaguitarra.
Lejos de la masividad, Banegas quiere difundir su trabajo y la cultura de su provincia, todavía no invadida por los medios. "El contexto comercial desvirtúa. El día que se termine el show, apaguen las luces, desenchufen el sonido y nos sienten a todos con una guitarra, se sabrá lo que es la música, de dónde viene cada uno, cuál es su formación y su esencia", observa.
A partir de mayo iniciará un trabajo para la Subsecretaría de Cultura de su provincia. Hará un relevamiento de la cultura en los pueblos que "se mantienen todavía inmunes a la invasión mediática". El recorrido será por los bordes del mapa de Santiago del Estero y se enriquecerá con el aporte de un equipo interdisciplinario (asistentes sociales, músicos, profesores de danzas y de quichua, sociólogos, cineastas...), que organizará talleres y será responsable de un registro del estado actual de la producción artística local y de las necesidades de todo tipo. El sentido de este trabajo no sólo es el rescate de la cultura nativa sino también mostrar a otros el modo de ser y de existir en el interior de Santiago. (Analía H. Testa, La Nación, 9 de febrero de 2008)
Discografía: Mi Origen y mi Lugar (1992) Pertenezco a Este Mundo (1993) Sintaxis (1994) La Ciudad Desierta (1998) 15 Grandes Éxitos (2001) El Color de la Chacarera (2006) Inmediaciones (2007)
Otro músico que por ahí no tiene mucha difusión por nuestra tierrita, pero suena bien... por lo menos así lo veo yo, como diría el impresentable Guillermo Nimo. Escuchen, disfruten (o no), comenten...
Nacido en la provincia de Córdoba de padre santiagueño, Gustavo interpreta temas clasicos del cancionero popular de Santiago del Estero y composiciones propias. Formó parte del grupo "Los Chazarreta" junto a su hermano y su primo, con los cuales grabó dos discos titulados "Tu regreso" y "El encuentro", para después seguir su carrera solista con la grabación de "Tierra de Soles" y con su más reciente trabajo, que salió al ruedo hace poco, en el que tiene como invitados a artistas consagrados como el Dúo Coplanacu y Peteco Carabajal.
Gustavo Chazarreta: "Este disco tiene una sonoridad especial"
Familia musiquera y de origen santiagueño, la casa paterna, entre La Cordillera y la Núñez, cuenta con: 9 o 10 guitarras, piano, mandolina, órgano, bandoneón, bombo legüero, violín y algo más que debe andar sonando por ahí. Así creció Gustavo Chazarreta, que a fines del año pasado presentó –y lo sigue haciendo- su segundo disco solista Refugios del Alma.
EL SEGUNDO REDONDO
En Tierra de Soles –cuenta Chazarreta, refiriéndose a su anterior disco- hay temas que no escucho, ahora no sé por qué los grabé. En cambio este fue más madurado, hay dos o tres canciones muy nuevas que ni siquiera la banda las había escuchado. Pero todos los demás los veníamos tocando en vivo desde hacía uno o dos años. Es otra sonoridad. El anterior tenía más guitarras eléctricas, tiene más cosas. En este decidimos grabar con guitarras criollas. Si en estudio vos grabás con una guitarra electroacústico el sonido es bueno, pero es sonido a plástico. Igual si tocas un órgano o un piano: el segundo tiene una caja de resonancia distinta. Es una sonoridad especial dice para explicar a su segundo hijo.
_Las diferencias que decís son para oídos adiestrados. Para los que no tenemos ese oído, ¿dónde se marca la diferencia?.
_Por más que no tengas oído, te das cuenta. Se percibe. Se percibe en la cadencia de cómo están tocados, en la limpieza que tienen las canciones. En Tierra de Soles un percusionista utilizó accesorios que yo ni conocía, hasta tablas hindúes. Y por más que no sepas lo que es una tabla hindú, en el conjunto del tema lo percibís. Refugios… en cambio es mucho más sencillo. Hay temas que tienen dos guitarras criollas, arreglos no rebuscados, el bajo y percusión, nada más. En el anterior grabamos mucho con cuerdas de acero, grabamos el Carnavalito con Los Tekis y había vientos por todos lados. Este es un disco más tranquilo. También en las canciones hay un dejo de tristeza, no digo en la parte rítmica, pero sí en la historia.
_Eso es bastante claro en el disco, e incluso va contramano del folklore actual.
_Mirá, yo tengo la posibilidad de tocar en peñas, en teatros, en auditorias chicos o grandes, en bares, en restaurantes. Y vos te vas amoldando al público. Ves si tocás 5chacareras a 200 kilómetros por hora o si se puede hacer otra cosa. En cambio, cuando voy a grabar un disco, no sé si estaré errado, pero primero lo disfruto yo. Podría grabar cosas que vendan, cosas ya probadas, pero no le voy a poner sentimiento. Componer y grabar lo que componés es más difícil. Pero no me gusta caer en la repetición. Cuando vas a un Festival tocás con 5 ó 6 grupos más y hay temas que se repiten en todos los grupos. Por eso trato de grabar más temas míos. Y ahora tengo una valija llena de letras nuevas.
EL SUEÑO DE LOS TEMAS PROPIOS
_El objetivo, entonces, es grabar todos temas propios.
_Sería lo ideal.
_Y también sería ideal para el folklore, que necesita nuevas producciones.
_Ahí está el tema. ¿Cuántos grupos hacen algo diferente? Es muy difícil encontrarle la vuelta. A Los Carabajal la gente sí o sí le va a pedir Entre a mi pago sin golpear. Pero en un disco tiene que ser distinto. Se nota en los festivales a los músicos nuevos tratando de meterse a la gente en el bolsillo haciendo la gran Soledad, cantando rápido y agitando al público. Saben que tienen dos temas y los tienen que aprovechar. El año pasado en Cosquín, Rafael Amor se ganó el público con la guitarra, mientras que otros tuvieron que gritar y pedir palmas. Y no tiene que ser así, hacen falta distintos ritmos y distintos momentos.
_Y en el ambiente del folklore hay una división entre los que van a 200 kilómetros por hora y los que prefieren otra cosa.
_Cada cual hace lo suyo. Y cada uno tiene sus formas de interpretar. Hay público para Los Alonsitos y público para Spaziuk. Hay grupos: Peteco, los Copla, el Raly, los santiagueños, el dúo Terral, Néstor Garnica. Y por otro Facundo Toro, Los Tekis, Sergio Galleguillo, Jorge Rojas. Son cosas distintas. En los festivales se nos convoca por separado, yo me encuentro siempre con los primeros. Pero cada uno hace lo suyo y es respetable y eso es lo bueno de la diversidad y de la variedad de públicos. A los que escuchan Los Tekis el Chango Spaziuk los aburre. Y yo en cambio lo iría a ver aún con el mismo show mil veces… la primera vez que lo fui a ver empecé a lagrimear. Y con Los Tekis es para estar bailando con una china sin parar… Cada uno hace la que puede y la que quiere.
GRAN TELÓN
El palmarés de Chazarreta incluye el logro de haber sido segundo de grandes en serio: Mercedes Sosa, Jaime Torres, León Gieco, Teresa Parodi, Peteco Carabajal, el Dúo Coplanacu. Pero pese a esto, él asegura tener más aceptación en Santiago que en Córdoba, quizás allá haya menos intereses comerciales –explica- Si en Santiago yo le gusté al tipo que pone música en la radio, va a poner mi disco. Allá se difunde mucho el disco sin que lo haya pedido. En Córdoba es más difícil, si querés hacer un trabajo fuerte de difusión tenés que pagar. Acá se siguen fijando mucho en lo que viene de afuera, dice. Y a modo de conclusión, se sincera: Estoy podrido de verla a Britney Spears.
CHAZA
Gustavo Chazarreta, hijo del homónimo recordado gran jugador de básquet santiagueño, lleva grabados 4 discos. Los primero dos con Los Chazarreta y los dos últimos como solista. Su último disco, Refugios del Alma, está compuesto por 14 temas, en donde la zamba, la chacarera y la canción cuentan con mayor protagonismo. Con la participación de Peteco Carabajal, el Dúo Coplanacu, Gustavo Chazarreta padre y Osvaldo Giaimo, Refugios… tiene un marcado sesgo intimista en sus composiciones e interpretaciones, sin dejar de lado el carácter, a veces contemplativo, a veces festejante, del folklore más puro.
Post a pedido de De mi Corazón al Sur. El domingo pasado, en el Festival del Ferroviario de Laguna Paiva, actuó Angela Irene, a quien no conocíamos, y nos gustó mucho lo que hizo. Así que acá subimos una muestra.
Angela Irene: "Mi historia es un cuento de hadas"
COSQUIN.- "Mi historia es un cuento de hadas -dice primero-. Mi apellido es Gola (garganta), por eso no podría ser otra cosa que cantante", larga un rato después.
Cuando ganó el Festival de la Canción de Cosquín, en 1977, se hizo un lugar en el ambiente folklórico. Desde entonces viene siempre a este festival. Se la puede ver en el escenario mayor o en alguna peña local, y ahora, con un nuevo disco bajo el brazo. Todo un acontecimiento para una cantante que ha sabido entregar calidad interpretativa pero sólo tiene registradas y publicadas algo más de treinta canciones en unos poquísimos discos editados desde aquel debut en esta ciudad, 31 años atrás. Irene Angela Gola se llama. Es decir: Angela Irene, según la bautizó Mercedes Sosa cuando dijo que Gola le sonaba a apellido tanguero.
¿Y cómo es aquello del cuento de hadas? Esta pampeana que no tiene problemas en confesar su edad para quienes quieran sacar cuentas ("empecé a cantar hace 42 años, cuando tenía 12", dice) arrancó en una banda de jazz que necesitaba a una persona que cantara los temas beat (canciones de los Beatles y las que se escuchaban en el festival de San Remo). Durante cuatro años cantó en carnavales de su provincia natal y de las vecinas. Cuando tenía 16 o 17 se aprendió un par de temas de folklore. Así arrancó, y un día, en 1974, Mercedes Sosa la escuchó y se la llevó para Buenos Aires. Enseguida conoció al productor Santos Lipesker, quien le dijo: "Está contratada".
Grabó una serie de canciones que nunca se editaron. Luego la convocaron para ese Cosquín de la Canción. Tiempo después publicó Ariel Ramírez presenta a Angela Irene, y después, Cantora de Yala, al que considera su mejor disco. Más tarde, el tercero, que lleva su nombre, y recién ahora lanza, Soy.
Es en una peña próxima a la plaza Próspero Molina donde esta cantante habla de su vida y de su flamante disco con comentarios que parecen, en algunos casos, declaraciones de principios y, en otros, maneras de entender la vida y la música. Veamos.
"En 1977 se produjo una magia. Gané el premio técnico del jurado y el del público. Desde entonces vengo siempre a Cosquín. Siempre tengo buenas fechas para cantar."
También dice: "Canté con todos los que admiré en mi vida. No con Atahualpa, pero lo conocí. Mi función ahora es pasarles la posta a los chicos. Hoy me siento referente de los más chicos. No se necesita ser famoso para ser referente. Tengo esta obligación porque tuve la suerte de haber tenido los consejos de Tejada Gómez, de Lima Quintana y de músicos maravillosos. No sólo los conocidos". Y sobre su nuevo disco asegura: "Yo ya no tengo que dar examen de afinación. Me preocupé y lo di en su momento. Lo que estoy mostrando ahora es sentimiento."
-Pero no sos buena vendedora de tus discos, si tenés uno nuevo pero decís que el mejor fue Cantora de Yala ...
-Lo digo por la producción que tuvo aquél. Había un concepto para cada tema. Cacho Valles y el negro Villavicencio escribieron "La tonada jamás morirá". Luego venía Kelo Palacios y me hacía un arreglo para la "Zamba del ángel". También hizo arreglos Oscar Cardozo Ocampo. Un disco así hoy no lo puede hacer una persona que está empezando. Pero este nuevo también es impagable. Porque la gente que participó no tiene precio.
En el disco la acompañaron Luis Salinas, Raúl Carnota, Lalo Romero, Néstor Acuña, Alberto Rojo y Eduardo Spinassi, entre otros. Tiene 17 canciones y una yapa, la "Zamba del carnaval", en la que está acompañada por Pedro Aznar y Domingo Cura, un bonus rescatado de un disco que Irene registró hace algunos años pero que no pudo publicar porque se presume que los másters fueron borrados cuando se desmanteló el estudio donde fueron grabados.
"Con Luis Salinas nos debíamos una grabación desde hacía veinte años. Con Spinassi, todo eso que tocamos en muchos años de trabajo, en esos espectáculos con Domingo Cura y Eduardo Lagos. Nunca los grabamos por esa sensación de eternidad que uno tiene cuando es joven."
-Y ahora, te despachaste con 18 canciones... -Sí, por las dudas de que no vuelva a grabar [se ríe].
(Mauro Apicella, La Nación, 24 de enero de 2008)
Chacarera del Barro
La Pobrecita
Discografía Ariel Ramírez presenta a Angela Irene (1979) La Cantora de Yala (1982) Angela Irene (compilado) (1995) Soy (2008)
Este post es a pedido de Solo tus Ojos y Solitaria y de Pie, las insustituibles hermanitas de la Peña de Raúl Eduardo. Como son primas de Carlos Cabral, EXIGIERON que Los Carabajal tuvieran su lugar en este humilde blog. Se hizo lo que se pudo, espero que queden más o menos conformes, si tienen más fotos del primo Carlitos, con gusto las subimos.
Esta historia comienza cuando en 1967 AGUSTIN CARABAJAL, hijo de Rosario Carabajal y de María Luisa Paz, decide formar un grupo que lleve al folclore a todo el país, con un estilo propio, pero sin alejarse de los parámetros tradicionales. Entonces, junto a dos de sus hermanos y un sobrino, decide formar el grupo al que llamó "LOS CARABAJAL": AGUSTIN, CARLOS, CUTI Y KALI. Desde allí comienzan a andar caminos.
De esos tiempos recordamos la primera versión de "La Telesita" (compuesta por Agustín Carabajal y Andrés Chazarreta). Al poco tiempo Agustín decide irse. Carlos ya empieza a componer sus primeras obras; pero también decidiría alejarse para seguir su camino como solista. Es allí, por el año 1968, que se incorpora MARIO "MUSHA" CARABAJAL. De 1974 a 1975 Mario se retiraría momentáneamente para cumplir con el servicio militar, entonces el conjunto quedó integrado por KALI, CUTI, OSCAR EVANGELISTA y OSCAR TESTA, hasta que en 1978 volvieron a ser todos "Carabajal". Sería el turno de ROBERTO CARABAJAL; también se incorporaría a esta formación PETECO. En ese año Cuti se fue a integrar durante 11 años "Los Manseros". Entonces el conjunto volvió a tener cuatro integrantes: Kali, Roberto, Peteco y Mario.
Cuando me Abandone mi Alma
De esa época citamos los más grandes éxitos de Los Carabajal: "Como pájaros en el aire", "Entre a mi pago sin golpear", "Perfume de carnaval", "Digo la mazamorra", entre otros... el disco se llamó "Como pájaros en el aire". Poco a poco se van viendo diferentes inquietudes entre los integrantes del grupo, es así como Roberto, por un lado, y Peteco, por otro, resuelven probar suerte en otras formaciones. Al quedar Kali y Musha solos y al frente del grupo, convocan a LUIS PAREDES y MARIO ALVAREZ QUIROGA.Es éste el momento en que Kali comienza a demostrar sus condiciones de compositor, una muestra de ello es la zamba "No despiertes aún".
Mario Álvarez Quiroga brinda al grupo dos creaciones maravillosas, los hoy clásicos "Romance de aquel hijo" y "Penas y alegrías del amor"; pero también él dispone, tiempo después, emprender vuelo como solista. Llega en su lugar JORGE "EL MONO" LEGUIZAMON. Coincidiría con uno de los mejores momentos de "Los Carabajal"; ya también integraban las filas WALTER y CARLOS ENRIQUE CARABAJAL, hijos de Kali.
El Antigal (interpretado por Carlos Cabral)
En 1995, después de llenar en todas sus presentaciones y con un éxito íncreible en Cosquín, "El Mono" Leguizamón parte en busca de otros sueños. La nueva primera voz sería FRANCO BARRIONUEVO. Él y Walter renovarían el repertorio con composiciones como "Boquita de luna", "Santiagueñeses de ayer" y "Corazón santiagueño". A fines de 1999, Luis y Franco se retiran y deciden formar un dúo. En este momento Kali encuentra, como él mismo lo describe, a un joven con una hermosa voz silvestre: LUCIO ROJAS, integrándose entonces al conjunto. Del mismo modo lo hace ANDRES SIMÓN, en teclados, nieto del recordado Miguel Simón, duende del bandoneón.
Llegamos al presente de Los Carabajal, tras el alejamiento de Lucio Rojas, con la incorporación del cantautor CARLOS CABRAL, para seguir este proyecto por el camino bendito e interminable de la música y el canto de nuestra tierra, quedando como formación actual del grupo Kali Carabajal, Musha Carabajal, Walter Carabajal y Carlos Cabral. En 2007 el conjunto celebra su 40 Aniversario y lo festeja junto a su público con un memorable espectáculo en el Teatro Ópera, en la Avenida Corrientes de la Capital Federal.
Hoy le entramos a la rumba... Este grupo, en realidad, está haciendo una gira despedida (el "Bye Bye Tour") porque se separa. Pero se supone que la cantante, Amparo Sánchez, seguirá con otro proyecto...
Amparanoia es el proyecto musical de Amparo Sánchez, una voz procedente de Andalucía. Surge en el madrileño barrio de Lavapiés, en 1995 y su estilo tiene diferentes raíces musicales. El blues, el soul, boleros, rancheras, rumbas, música popular sudamericana... La razón de ser de Amparanoia es la música y utilizan cualquier forma de expresión musical para transmitir sus sentimientos y sensaciones. Los músicos elegidos para esta primera formación fueron Robert Johnson, Piluka, Luisito y Alfonso. En 1996 publican su primer álbum, titulado "El poder de Machín", para el que cuentan con la inestimable colaboración de Manu Chao. Amparanoia realiza una extensa gira por toda España y parte de Francia, e incluso participa en alguno de los grandes festivales que se celebran ese año, como el Festimad, el Espárrago Rock y el BAME. Ese mismo año participan junto al propio Manu Chao y otros artistas en un encuentro celebrado en Lyon.
Un año después aparece el segundo álbum, "Feria Furiosa", grabado en directo con la colaboración de varios amigos de la banda, entre los que se encuentran Manu Chao, Fermín, Iñigo y Javier Muguruza, Tonino Carotone, Mucho Mu, Dani `Mono Loco´, Juanlu `Ojos de Brujo´, y Fermín `Huajolote´ Goñi. Se trata de un álbum con toques muy cubanos y les sirve para realizar una gira por distintas salas de toda España. Tras esta gira, la banda que colabora con Amparo se disuelve, tirando cada uno por un lado, por lo que Amparo se toma un descanso para pensar en el futuro. A su regreso de las vacaciones, publica "Llámame mañana", un proyecto de la propia Amparo y su ex trompetista Jose Alberto.
En el año 2000, Amparo viaja a México y queda impresionada con el movimiento zapatista y con su líder Marcos. A su regreso a España realiza una exposición de fotos titulada "Realidad en Chiapas", además de reunir a numerosos amigos en un encuentro musical. Para entonces, Amparanoia ya prepara su vuelta a los escenarios, para lo que cuenta con cuatro músicos cubanos y uno búlgaro. El primer trabajo de esta nueva época es el álbum titulado "Somos Viento". Al principios del 2002 inician una gira para dar a conocer su nuevo trabajo. Esta gira les lleva a ofrecer conciertos por España, Italia, Francia, Bélgica y México.
Tras la gira de "Somos Viento", Amparanoia se encierra en un estudio para preparar su siguiente trabajo, "Enchilao", un álbum más eléctrico y que tiene influencias latinas, sudamericanas y cubanas.
En el año 2005 aparece "Rebeldía con alegría", el primer recopilatorio de Amparanoia, que contiene los mejores temas de toda su carrera . En enero del 2006 publica un nuevo álbum, titulado "La vida te da". El disco se abre con una rumba que da título al disco, para seguir con el ska, son, bolero, reggae y toda una explosión de estilos por descubrir. Nueve nuevos temas y cuatro más de colaboraciones junto a amigos de la banda (Dhira, Dani Monoloco, Calima...) dejando volar la inspiración y la improvisación.
Discografía: El Poder de Machín (1997) Feria Furiosa (1999) Somos Viento (2002) Enchilao (2003) Rebeldía con Alegría (2004) La Vida te Da (2006) Seguiré Caminando (2008)
